As vibrantes esculturas feitas à mão de Eva LeWitt são feitas a partir de materiais comerciais e industriais do dia-a-dia. Ela molda, tinge e corta esses materiais flexíveis, macios e muitas vezes sintéticos antes de compô-los em arranjos cativantes de formas geométricas suspensas e gradações de cores onduladas. Suas obras de arte abstratas em grande escala muitas vezes lembram a decoração doméstica ou teatral, como cortinas, cujas cores são destinadas a "irradiar calor" e "gerar energia", de acordo com LeWitt. Assim como as cortinas evocam uma interação entre o interior e o exterior - marcando uma fronteira entre o público e o privado ou alternativamente revelando e ocultando - os arranjos materiais intuitivos de LeWitt brincam com tensões não resolvidas: entre transparência e opacidade, gravidade e leveza, abstração e decoração. 

Residente ao longo da vida no bairro de Roxbury, em Boston, Ekua Holmes (nascida em 1955) é uma artista e ativista comunitária cujo corpo de trabalho explora temas da infância, laços familiares, memória e resiliência. Esta exposição concentra-se em suas ilustrações de livros infantis premiados - colagens vibrantes que revelam histórias de autodeterminação, amor e comunidade que refletem a visão distinta da artista e seu compromisso com as imagens e representações negras.

Com curadoria de jovens acadêmicos como parte da nova parceria do MFA com organizações locais de capacitação de jovens, “Black Histories, Black Futures” concentra-se em obras de artistas negros do século XX. Representa uma grande reformulação e reinstalação de uma área central do Museu que se estende entre as entradas da Huntington Avenue e Fenway. Formando uma peça central literal da celebração do 150º aniversário do MFA em 2020, a exposição cria um espaço para explorar e celebrar histórias, experiências e autorrepresentações negras.

Para a fachada do Gardner, Barbara Kruger criou a  linguagem corporal , uma imagem impressionante e provocante de dois corpos sobrepostos, usando um detalhe da pintura Diana e Actaeon de Ticiano .  Ao sobrepor a imagem com o texto, Kruger nos convida a reconsiderar a representação da mulher, do poder e da sexualidade e a refletir sobre o conceito histórico da arte de “olhar”.

Os escritos concisos e muitas vezes enigmáticos de Jenny Holzer se infiltram na vida e na consciência públicas por meio de objetos do cotidiano, como camisetas, pôsteres, placas de LED e bancos, bem como pinturas e esculturas. Uma seção transversal desses objetos está incluída na nova instalação de Holzer, que abrange a carreira do artista, incorporando coisas efêmeras, placas de metal pintadas, pôsteres e desenhos.

Sol LeWitt: A Wall Drawing Retrospective ocupa quase um acre de paredes internas especialmente construídas que são instaladas - de acordo com as próprias especificações de LeWitt - ao longo de três andares de um edifício de moinho histórico situado no coração do MASS MoCA do século 19, antigo campus da fábrica. Uma colaboração marcante do MASS MoCA, da Yale University Art Gallery, do Williams College Museum of Art e da propriedade de Sol Lewitt, mais de 60 artistas e estudantes de arte passaram seis meses renderizando 105 desenhos de parede em grande escala, abrangendo a carreira histórica do artista.

Glenn Kaino: Na Luz de uma Sombra é inspirado pela conexão entre protestos em todo o mundo, especificamente aqueles em resposta aos trágicos eventos conhecidos como “Domingo Sangrento” em Selma, Alabama e Derry, Irlanda do Norte. A exposição abrange toda a galeria Building 5 do tamanho de um campo de futebol da MASS MoCA com uma instalação imersiva que explora o poder da ação coletiva na construção de um mundo mais justo.

Virgil Abloh: “Figures of Speech”  é a primeira exposição de museu dedicada ao trabalho do artista e designer Virgil Abloh (nascido em 1980, Rockford, IL). Abloh é pioneira em uma prática que atravessa a mídia e conecta artistas visuais, músicos, designers gráficos, designers de moda e arquitetos. 

A cada apelo por uma mudança social chega a possibilidade de fazer o mundo de novo. The Worlds We Make: Selections from the ICA Collection explora como os artistas têm visualizado além da realidade presente para imaginar, sonhar e realizar o mundo de outra forma. Extraídas da coleção permanente do ICA e das coleções da área de Boston, essas obras consideram a criação do mundo em relação a temas mais amplos, como clima e ambiente natural, narrativas históricas e ficções especulativas, o sobrenatural e o planetário. Ampla em tema e meio, a exposição inclui obras de artistas como Maria Magdalena Campos-Pons , Njideka Akunyili Crosby , Jeffrey Gibson, Lorraine O'Grady , Matthew Ritchiee Yinka Shonibare CBE (RA), entre outros.  

“Monet e Boston: Legacy Illuminated” destaca 25 obras-primas do artista - seleções retiradas dos acervos extraordinários de seu trabalho do MFA ao lado de empréstimos selecionados de coleções particulares locais. A exposição começa observando o desenvolvimento e o início da carreira de Monet, bem como seu envolvimento com a arte japonesa por meio de justaposições de pinturas do artista com gravuras da renomada coleção ukiyo-e do MFA . Em seguida, amplia-se para considerar o trabalho de Monet ao lado de seu antecessor Jean-François Millet (1814-1875) e do contemporâneo Auguste Rodin (1840-1917), artistas cujas obras foram igualmente adotadas por Bostonians. Uma geração mais velha, Millet ajudou a pavimentar o caminho para o impressionismo com imagens de paisagens francesas e trabalho rural, como The Sower(1850), amado pelos colecionadores de Boston e por Monet. Monet e Rodin, que está representado na exposição com obras célebres como Eternal Springtime…

Abrangendo mais de três séculos, as obras desta exposição - de artistas como Pablo Picasso, Rembrandt, Lee Krasner, Jacques Philippe Le Bas e Louis Delsarte - revelam as camadas de revisão criativa, correção e ajuste por trás das impressões acabadas. Central para esse processo é o conceito de “estado de impressão”, que tradicionalmente se refere a uma versão de uma impressão que precede o produto final. A exposição explora como os artistas, ao longo do tempo, maximizaram o potencial iterativo dos estados, por motivos que vão do prático ao caprichoso. Ao decodificar as escolhas criativas que o artista buscou ou abandonou em cada etapa sucessiva, a exposição ajuda a descobrir toda a amplitude da experimentação e desmistifica a terminologia e as técnicas da gravura.

O Museu Gardner comissionou os artistas residentes Mary Reid Kelley e Patrick Kelley para responder à obra-prima renascentista de Ticiano, Rape of Europa , que estará em exibição na exposição Ticiano: Mulheres, Mito e Poder. Os artistas criaram um curta-metragem graficamente estilizado, também intitulado The Rape of Europa, que combina pintura e performance com a poesia satírica distinta de Mary Reid Kelley. No filme, Mary interpreta uma série de personagens históricos e míticos presos entre cenários cômicos e trágicos, dispostos em uma colagem densamente detalhada de Patrick. Seus dilemas, expressos por meio de rimas e trocadilhos, referem-se a questões sociais de longa data que ressoam com o movimento #MeToo atual. Ao dar voz à personagem Europa, Mary Reid Kelley e Patrick Kelley a humanizam e a libertam do papel subserviente e silencioso que ela há muito foi forçada a desempenhar no antigo mito descrito por poetas e artistas masculinos.

Trinta anos em construção, o maior Skyspace circular autônomo de James Turrell - intitulado CAVU - é inaugurado no campus MASS MoCA em maio de 2021. Medindo 12 metros de diâmetro e 12 metros de altura, este tanque de água de concreto reaproveitado se transforma em um dos imersivos exclusivos de Turrell instalações de luz, esculpindo um pequeno pedaço do céu e enquadrando-o como uma tela de profundidade infinita. CAVU se junta à exposição Into the Light , uma retrospectiva de longo prazo do trabalho de Turrell que atualmente inclui nove instalações de luz, tornando o MASS MoCA a única instituição norte-americana que oferece uma visão abrangente da carreira do artista.

Louise Bourgeois descreveu sua prática artística como uma tentativa de superar qualquer tumulto que a atormentasse - psicologicamente, pessoalmente, artisticamente - para encontrar a harmonia perfeita. Seu trabalho frequentemente faz referência à anatomia humana e à sexualidade, em alguns casos abertamente e em outros de forma mais sutil por meio de formas orgânicas e ambíguas. Sua obra abrangeu desenhos, pinturas, tecidos, trabalhos bordados, esculturas e instalações que variam em escala de alguns centímetros a ambientes totalmente imersivos. Bourgeois começou a trabalhar com mármore no início da década de 1960, enquanto vivia em Avenza, Itália, e o meio se mostrou particularmente atraente para a artista - sua resiliência e dificuldade em empurrar seus limites criativos. Para B6: The Robert W. Wilson Building, MASS MoCA, em parceria com a Louise Bourgeois Trust, apresenta um grupo de esculturas de mármore do artista, alguns dos quais nunca foram vistos antes nos

Josef Albers foi o único artista que deu mais cursos em mais departamentos diferentes, durante um período de tempo mais longo, do que qualquer outro professor mestre na lendária escola de arte Bauhaus. Ele havia se tornado professor profissional em escolas públicas antes de se matricular na Bauhaus em 1920, para fazer trabalhos avançados no meio abstrato de vitrais.

Sarah Oppenheimer cria instrumentos precisos para manipular nosso ambiente construído - alterando nosso quadro de referência espacial, deslocando nossa experiência de dentro e fora e invertendo nosso senso do que está perto e longe, aqui e ali.